예술 작품이 변질되기 시작하거나 의도적으로 디자인되면 어떻게 됩니까? Norman Miller는 갤러리와 박물관이 “내재적 악”이라는 문제를 해결하는 방법을 조사합니다.
조각가 나움 가보가 1930년대에 획기적인 비닐 봉지 조각 시리즈를 만들었을 때 그는 투명성과 유연성의 흥미로운 조합을 제공하는 당시의 새로운 재료를 실험하는 훌륭한 예술적 원칙을 따르고 있었습니다. Gabo가 전혀 몰랐던 것은 그가 선택한 재료가 앞으로 수십 년 동안 뒤틀리고 무너질 것이라는 점이었습니다. 오늘날 Space in Construction: Two Cones(1937)와 같은 조각품은 런던의 Tate Modern과 같은 갤러리에 버려진 채 폐허 속에 놓여 있습니다. “슬프다”고 Tate의 선임 보존 과학자인 Bronwyn Ormsby는 말합니다. “하지만 우리가 할 수 있는 것은 그것을 분석하는 것뿐이고, 그것이 사라지면 사라진다.”
박물관 예술은 시대를 초월하여 여러 세대에 걸쳐 감상할 수 있다는 일반적인 생각이 있습니다. 그러나 많은 사람들이 부패의 대상입니다. 가장 유서 깊은 옛 명화도 피할 수 없다. 안료 변색, 페인트 균열 및 캔버스 뒤틀림. 예술계에서 삶의 이 도전적인 사실은 도덕적 이야기의 한 줄, 즉 선천적 악처럼 들립니다.
Gabo의 조각품을 파괴한 내재된 악덕에 대응하여 갤러리는 오래된 사진 및 기타 문서를 사용하여 Gabo의 “죽은” 조각품의 새로운 플라스틱 복제품을 만드는 것을 고려할 수 있습니다. 하지만 원본의 유골을 소유한 기관에서 만든 가짜라도 이것들은 가짜가 아닐까요? 갤러리가 진정성, 손실 및 보존이라는 윤리적 문제를 성찰하는 것은 뜨거운 논쟁거리입니다. Ormsby는 “복제본을 만들기 위해 3D 디지털 모델을 만드는 데까지 이르렀습니다.”라고 인정합니다.
데미안 허스트의 상징적인 수조에서 수영하는 상어(The Physical Impossibility of Death in the Mind of Somebody Living)는 내재된 악에 주목하는 또 다른 작품입니다. 1991년에 그것을 만들었을 때 Hirst는 거대한 물고기를 보존하기 위해 올바른 종류의 오이를 사용하지 않았기 때문에 오이에 빠졌습니다. 결과적으로 상어는 매우 빠르게 분해되기 시작했습니다. 보존액이 흐려지고 피부가 주름지고 수조에서 불쾌한 냄새가 났습니다.
불행하게도 이로 인해 형이상학적 공포를 불러일으키도록 설계된 물건이 Jaws 컨벤션에서 값싼 소품처럼 보입니다.
점점 더 비참해지는 상태에도 불구하고 이 작품은 2004년에 수백만 달러에 구입되었고, 그 후 Hirst는 문제를 해결하기로 결정했습니다. 회복을 위한 그의 첫 번째 시도는 상어 가죽을 벗기고 피부를 무두질한 다음 상어 모양의 유리 섬유 프레임을 감싸는 것이었습니다. 불행하게도 이로 인해 형이상학적 공포를 불러일으키도록 설계된 물건이 Jaws 컨벤션에서 값싼 소품처럼 보입니다. 궁극적으로 Hirst는 신선한 상어와 런던 자연사 박물관(London’s Natural History Museum)의 환경 보호론자들의 전문가 의견을 사용하여 조각품을 처음부터 다시 만들었습니다.
다른 예술가들은 박물관이 처음부터 작품을 만들도록 장려함으로써 내재된 악덕 문제를 해결하도록 돕습니다. 예를 들어, 조각가인 Tom Claassen은 관리인이 부패하기 쉬운 고무로 만든 작품을 재현하도록 정기적으로 돕습니다. Gnaw, Ditto Janine Antoni의 1992년 작품 – 예술가의 이빨로 조각된 거대한 라드 큐브와 또 다른 초콜릿 큐브, 라드는 각 전시회에서 그녀의 물기에 맞는 틀을 사용하여 재주조됩니다.
그러나 많은 예술가들이 비누, 피, 배설물과 같은 까다로운 재료를 사용하여 작품을 만들어 미술관에 도전하고 있습니다. 1960년대에 MoMA는 해충 문제로 인해 Robert Rauschenberg 조각품을 구입하지 않기로 결정했습니다.
아니면 1960년대 스위스 예술가 디터 로스(Dieter Roth)가 치즈와 신 우유와 같은 음식을 사용한 획기적인 작품은 어떻습니까? 그에 반해 MoMA가 소장하고 있는 바젤 암 라인(Basel am Rhein)은 철판에 초콜릿을 칠해 만든 작품이다. MoMA의 웹사이트는 재료의 내재적 결함으로 인해 작품이 인수된 이후 어떻게 변경되었는지에 대한 현실적인 개요를 제공합니다. 표면을 덮고 있는 작은 구멍으로 알 수 있듯이 그들은 작은 곤충의 숙주입니다.”
MoMA는 작품을 유리 아래에 보관하고 벌레가 발견되면 우리에 가두는 “수동적 보존”을 선택했습니다. 대조적으로, 스위스의 Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne은 운명이 결정함에 따라 Roths를 썩게 하고 있습니다. 결국 그들은 “죽은 예술”이 가는 문화적 내세에서 Gabo의 부서진 플라스틱 조각품에 합류하게 될 것임을 깨닫습니다.
화가 안젤름 키퍼(Anselm Kiefer)도 박물관 사람들의 머리를 가지고 장난을 치고 있다. 그의 기념비적인 캔버스에는 전체 표면에 걸쳐 금속 산화를 일으키는 전극이 포함되어 있는 반면, 다른 캔버스는 이동 중에 조각이 떨어질 것을 충분히 예상하고 갤러리로 보내집니다. 키퍼는 2009년 인디펜던트와의 인터뷰에서 “나만의 사진을 갖는 것이 쉽지 않다”고 말했다.
내 작업은 영원히 지속되지는 않지만 닳아서 원래 있던 쓰레기 더미로 돌아갈 것입니다 – 장 팅겔리
반면 기계적 고장은 키네틱 아트라고 하는 움직이는 요소가 있는 예술품을 보존하는 데 어려움을 줍니다. 움직이는 부품은 마모로 인해 손상되기 때문에 박물관은 심하게 손상되기 전에 조각을 “폐기”할지 여부를 결정해야 합니다.
1988년, 파리의 퐁피두 센터는 장 팅겔리의 1954년 키네틱 조각 “메타 메카니크 자동차”의 움직임을 중단하기로 결정했습니다. Tinguely가 1984년 인터뷰에서 설명했듯이 “내 작품은 영원하지 않습니다.
제발
종종 시간 기반 미디어라는 제목 아래 그룹화되는 기술 기반 작품에 대한 증가 추세는 박물관 전문가들에게도 문제를 일으킬 수 있습니다. 백남준의 획기적인 1980년대 작품인 Video Flag Z를 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 엿볼 수 있습니다. 작품에 흐릿한 이미지가 통합된 84대의 구식 음극선관(CRT) 텔레비전으로 이루어진 만화경 벽입니다. 하지만 빈티지 TV가 부득이하게 고장이 난다면 어떻게 해야 할까요?
처음에 큐레이터들은 오래된 CRT 세트를 구입하려고 노력했지만, 물량이 고갈되면서 작품을 전시하는 유일한 지속 가능한 해결책은 실제 오래된 세트와 “닮은” 새 세트를 만드는 것이었습니다(작가의 소유권 동의 포함). ). ). 박물관은 미화한 모조품보다 고유한 “원본”이라는 전통적인 지위에 반하여 예술 작품의 본질을 보여주는 것을 목표로 하는 이러한 “에뮬레이션과 같은” 반응을 선호합니다.
시간 기반 미디어로 작업하는 일부 예술가는 박물관에서 보존 스트레스를 줄이려고 시도하고 있습니다. Tate가 2003년에 LCD 화면에서 끊임없이 변화하는 컴퓨터 생성 애니메이션인 Michael Craig-Martin의 희곡 Becoming을 구입했을 때 아티스트는 주변의 모든 디스플레이에서 향후 전시회를 만드는 데 도움이 되는 소스 코드를 제공했습니다.
Tate의 Collection Care Research 이사인 Pip Laurenson은 Tate Liverpool이 Tony Conrad의 라이브 영화 및 뮤지컬 Ten Years Alive on the Infinite Plain의 2019 전시회에 어떻게 접근했는지 설명합니다. 1972년 뉴욕 데뷔.
“우리는 콘래드가 살아있을 때 그와 대화하기 시작했지만 그가 죽은 후에 일을 얻었습니다. 그는 점수를 매기는 것을 좋아하지 않았기 때문에 선수들에게 각 경기에서 무엇을 해야 하는지 가르쳤습니다.”라고 그녀는 설명합니다. “그래서 우리는 공연에 대한 설명을 수집하고 유지해야 하는 측면과 즉흥 연주와 해석의 여지를 남긴 측면을 배웠습니다.”
박물관이 예술을 보존하고 전시하는 방법에 대한 아이디어를 확장하는 것은 도전이자 기회입니다. 스코틀랜드 국립 갤러리의 시간 기반 미디어 큐레이터인 Brian Castriota는 “우리의 직업과 역할이 실제로 무엇인지 다시 생각하게 했고, 그렇게 함으로써 돌봄이 무엇이며 무엇이 될 수 있는지에 대한 생각을 넓혔습니다.”라고 말했습니다. 말한다.
그것은 산다
박물관 큐레이터를 밤샘하게 만드는 최신 예술 범주 중 하나는 살아있는 유기체로 만든 (문자 그대로) 작품의 성장하는 몸체입니다. 진화하거나 소멸할 수 있는 살아있는 예술 작품을 어떻게 보존하고 전시합니까?
1988년의 Every Artist Gave a Breath와 같은 Liz Larner의 박테리아 작업을 살펴보십시오. Larner는 동료 예술가들에게 페트리 접시에서 한천 배양 물을 헹구도록 요청한 다음 전시했습니다. 오스트리아 그라츠에서 열린 전시회 동안 접시 안의 박테리아는 예술가의 영향을 받지 않고 자라고 번성했습니다. 그런 다음 그들은 결국 죽어 검게 변했습니다.
또 다른 놀라운 예는 Simon Starling의 2006 Infestation Piece(Musselled Moore)입니다. 그것은 18개월 동안 온타리오 호수에 잠수했고 점차 얼룩말 홍합으로 뒤덮이게 된 헨리 무어의 방패 휘두르는 전사의 실물 크기 강철 복제품을 특징으로 합니다. . 작품이 온타리오 아트 갤러리에서 전시되는 동안 나방의 공격을 받으면서 예술에 대한 자연의 침입은 또 다른 국면을 맞았습니다.
박물관 용어로 살아있는 유기체에 대한 이 작업은 박물관의 폐쇄되고 통제된 세계와 자연의 통제되지 않은 외부 현실 사이의 상호 작용을 탐구합니다. 아티스트는 단일 렌더링보다 개념이 더 중요한 작업의 여러 렌더링을 생성하는 프로세스를 설정합니다.
Tate에서 Pip Laurenson은 최근 Reshaping the Collectible: When Artworks Live in the Museum이라는 주요 연구 프로젝트를 이끌었습니다. 문제를 검토하면서 Castriota는 깔끔하게 요약합니다. 시간이 멈춘 작품은 때때로 소원일 수도 있고 손에 물을 쥐고 있는 것과 같을 수도 있습니다.”
보존 윤리
예술 작품이 막대한 금액의 가치가 있을 수 있다는 점을 감안할 때 대서양 양쪽의 입법자들이 서로 다른 결론에 도달한 것은 놀라운 일이 아니지만 이 법은 불변의 예술 작품 보존을 둘러싼 일부 문제를 다루고 있습니다.
예술 작품이 내구성만으로 구동된다면 모든 것이 화강암에 새겨질 것입니다. 참으로 지루한 세상일 것이다 – 글렌 워튼
1880년대부터 유럽 베른 협약은 예술가가 자신의 작품을 “왜곡, 절단 또는 기타 변경”으로부터 보호할 권리를 지지해 왔습니다. 따라서 소송에서 예술가는 선의의 보존이 “기타 변경”에 해당한다고 이론적으로 판단하고 박물관을 고소할 수 있습니다. 대조적으로, 1990년에 통과된 미국 시각 예술가 권리법(Visual Artists Rights Act of America, VARA)은 “보존의 결과인 시각 예술 작품의 변경은 파괴, 왜곡, 절단 또는 기타 변경이 아니다”라고 명시했습니다. 즉, 보존은 사용 가능한 기술뿐만 아니라 수리를 둘러싼 법률이나 윤리에 따라 달라질 수 있습니다.
박물관 전문가들이 초조해하는 동안 아마도 미술 애호가들은 흥미진진하고 때로는 의도하지 않은 현대 미술 전시에 환호해야 할 것입니다. Glenn Wharton은 “예술가들에게 덧없는 매체를 사용하지 말라고 충고하지 않습니다.” “만약 예술 작품이 영속성에 의해서만 움직인다면 모든 것이 화강암에 새겨질 것입니다. 정말 지루한 세상이 될 것입니다.”